中国摄影艺术史
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长安2020-07-2319世纪70年代以后，随着摄影艺术的迅速普及和摄影即使观念的冲击，以绘画方式进行创作的高艺术摄影流派逐渐走下神圣的艺术殿堂，并发展成为画意摄影流派。发展成为画意摄影流派。和高艺术摄影的一个明显识别是,画意摄影流派已很少采用拼贴、叠合等方式产生类似绘画的效果,而是强调通过直接的拍摄或采用特殊工艺的制作手法,产生画意的效果。比如为了消除和避免画面中不必要的细节,有的摄影家采用针孔照相机拍摄,或者于脆在拍摄时轻微摇动三脚架,使画面产生轻微的模糊、柔化效果。这一流派的摄影家还喜欢用铂盐印相法、碳素印相法、油彩印相法等特殊工艺使画面产生画意效果。后来的自然主义摄影、印象派摄影和摄影分裂主义等,从广义上来说都属于画意摄影流派。画意摄影在19世纪末20世纪初的欧洲和美国达到顶峰,也成为一个国际性潮流,在摄影艺术创作中处于主导地位。但是,也有一些先知先觉者开始意识到画意摄影题材陈旧且内容空洞,使摄影沦为了学院派绘画的奴隶,开始提倡摄影的自然主义。英国的彼得・亨利・爱默森提倡“自然是艺术的开始和终结,只有接近自然,酷似自然的作品,才是最高的艺术”。1889年他还发表了一篇题为《自然主义摄影》的论文,提出摄影对世界应该有自己的观察,有自己的语言,鲜明地指出摄影不应依附于绘画艺术,应该成为一门独立的伟大艺术。该派另一位大师A.R.帕邱也强调摄影艺术必须依靠摄影自身的特性,认为摄影的审美价值隐藏在自身的特性里,只有充分发挥摄影自身的特性才能创造出美。爱默森等人为绘画派摄影引入了现代造型意识,引发了后世对摄影本性的探索,也极大地影响了斯蒂格利茨等人的美学观点。美国摄影家阿尔弗雷德・斯蒂格利茨等人继承和发展了自然主义摄影理论中的某些合理的部分―主张摄影艺术应该弘扬自身的特质和性能,抛弃绘画的影响,提倡用纯粹的摄影艺术去求得摄影所特有的审美效果,形成了摄影自身的美学观念,摄影自此以一门独立的造型...
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长安2020-07-23早期的摄影者为了使摄影获得与其他传统的艺术样式(如绘画等)同等受尊重的地位,对于摄影这种具有记录性和再现性的艺术形式,他们并没有去寻求摄影自身的艺术价值和美学价值,而是从内容到形式上都完全模仿同时代的绘画艺术。19世纪的欧洲正是唯美主义思潮盛行的时期,以英国为中心的欧洲摄影界,当时就是把摄影要仅次于绘画作为奋斗目标,产生了高艺术摄影流派。这一摄影流派的摄影家提出,“应该产生摄影的拉斐尔和摄影的提茨安”。最初,高艺术摄影直接模仿文艺复兴时期的新古典主义油画,作品从题材、构思、构图都是文艺复兴时期油画的翻版。题材都取自圣经、古希腊、罗马的文艺作品,非常注重画面的情节性效果。O.G.雷兰德的《人生的两条道路》(1857年)、H.P.罗宾森的《弥留之际》(1858年)、《秋》(1864年)等利用模特儿、道具,组织和安排场面,然后通过暗房加工合成,努力使照片接近绘画效果,作品画面结构严谨,布局考究,情节性、叙事性和寓意性是其艺术上的特点。高艺术摄影在1850年至1870年达到顶峰,也产生了许多杰出的高艺术摄影艺术家。第一个高艺术摄影流派的摄影家是英国画家D.O.希尔( Dayid octavius hil,1802-1870),他和罗伯特・阿丹森合作,在四年中拍摄了一千五百多幅包括人像和社会生活的作品。他擅长人像摄影,作品结构严谨,造型优美。1857年,奥斯卡・古斯塔夫・雷兰德( Oscar Gustave Reilander,1813-1875)创作的《人生的两条生活道路》(或称《两种生活方式》)是这一时期的代表作,这是一幅由三十多张不同画面的底版叠放而成的16英寸×31英寸的巨幅照片,模仿文艺复兴时期拉斐尔雅典学院》的构图形式,画面描写了父亲的两个儿子,一个持着仁爱和爱人之心,走向有宗教和知识的道德社会中;另一个则整天沉沦于花天酒地之中,选择了懒散、投机和堕落的生活。作品中...