流行音乐的秘密

• 停云

  2013-04-30
  文化历史学家弗雷德里克·詹姆森（Fredric Jameson）认为MV是将后现代状态具体化的“元娱乐”。我们当然明白，MV确实融合了商业化影像和艺术影像的生产，取消了影像和它的现实生活指代物之间的传统界限。在这个方面，MV最明显的特征是它们与广告相似，这一特征使它们成为喧闹的消费主义文化的一部分。卡普兰更深入地指出MV的观众已经变得分散和破碎，不再能区分作为后现代文化一部分的“虚构”和“现实”。但是。MV和后现代主义的这种合并很难维持下去。虽然许多MV表现出相当多模仿、互文意识和折中主义的迹象，但这并不会造成它们本身的后现代化。
• 不锈钢兔砸

  2013-04-11
  所有的音乐文本都是社会产品，在通俗音乐流派内发展的艺人都承担着一种持久的压力——为听众提供更多的、能够在第一时间吸引同样一批听众的音乐。这就解释了为什么音乐方向的转移通常会让艺人失去许多原有歌迷，却很有希望建立新的追随者。这强调了做一名”艺术家“和对市场压力作出反应之间的矛盾，也主张某些艺人虽然身处利益驱动的商业化产业内，但仍然可以被称为是作者（同样的过程也应用于20世纪50年代对好莱坞电影工作室系统的研究中）。
• 不锈钢兔砸

  2013-04-11
  将作者身份引入到通俗音乐中，意味着将它和大众或通俗文化——这两种文化都暗示着大众品味和逃避现实的娱乐——区分开来，而以通俗音乐中个体的敏感和丰富取而代之。在20世纪60年代末期，摇滚评论开始以作者的角度讨论音乐家。例如约翰·卡维尔蒂（john cawelti）声称“很容易就能看出流行组合与极富创造性的组合之间的区别。流行乐队只是单纯的表演，并不带有任何标志作者身份的个人意见；而像披头士这样的乐队，他们的演出已经成为一种复杂的艺术创作”。美国评论家约翰·兰道（jon landan）认为摇滚乐当中的艺术标准是音乐家创造某种个人的、甚至是私密的领域和全面表达这种领域的能力。 到20世纪70年代早期为止：“自我意识成为一个唱片艺术水准的标尺；坦诚、音乐才能、对反讽和矛盾的运用成为音乐家的艺术标志——这种评价太过自我，以至于暴露了身处这种机制之内的作者。有经验的听众则不管其商业象征如何，都能识别出艺术家。